Bruce Davidson: Brooklyn Gang y más

Bruce-Davidson-1959. New York City-Brooklyn Gang-Coney Island. Kathy fixing her hair in a cigarette machine mirror

"Tomar fotografias, tomar fotografías sinceras, significa que el fotógrafo es un ser invisible. Cuando existe la menor sensación de que se está sacando una fotografía algo queda mal: parte del alma de pierde." 

 "La mayoría de mis fotografías tienen empatía, son amables y personales. Pretenden dejar al espectador ver por sí mismo, no pretenden sermonear. Y no pretenden hacerse pasar por arte."

Bruce Davidson

Bruce Davidson es un fotógrafo estadounidense reconocido por su capacidad para capturar la vida urbana y sus conflictos a través de su obra. Nacido en Oak Park, Illinois, en 1933, Davidson comenzó a interesarse por la fotografía a los diez años, cuando su madre le regaló una cámara Kodak. Después de estudiar en la Escuela de Arte de Rochester y en la Escuela de Diseño de Yale, Davidson comenzó su carrera como fotógrafo freelance en la ciudad de Nueva York a mediados de la década de 1950. En 1958, con tan solo 25 años, Davidson se unió a la agencia Magnum Photos y se convirtió en miembro de pleno derecho en 1961. A lo largo de su carrera, ha realizado una variedad de proyectos documentales que abarcan temas como la lucha por los derechos civiles, la vida en las calles de Nueva York y otras ciudades estadounidenses, la cultura gitana y la vida en las reservas de nativos americanos.

El proyecto fotográfico denominado "Brooklyn Gang" es uno de los trabajos más tempranos y notables de su carrera. El proyecto se centra en una pandilla juvenil llamada "The Jokers" que vivía en Brooklyn, Nueva York, en la década de 1950. Davidson se interesó por la vida de la pandilla después de ver a un grupo de adolescentes reunidos en una calle de Brooklyn y decidió pasar tiempo con ellos para entender su forma de vida. Durante varios meses, Davidson fotografió a los miembros del "Gang" mientras se reunían, socializaban y cometían pequeños delitos. A través de sus imágenes, Davidson exploró la dinámica de poder dentro de la pandilla y la influencia del grupo en la identidad individual de sus miembros. El resultado fue una serie de fotografías en blanco y negro que capturan la energía y la violencia de estos jóvenes, pero también su humanidad y vulnerabilidad mostrando la capacidad de Davidson para establecer una conexión emocional y empática con sus sujetos, una habilidad que se convertiría en una característica central de su estilo fotográfico. 

El proyecto de "Brooklyn Gang" fue publicado en forma de libro en 1959 y se convirtió en un éxito de crítica y público. Las imágenes de Davidson proporcionaron una mirada fascinante a una subcultura juvenil poco conocida en ese momento y han sido reconocidas como un hito en la fotografía documental. Además este trabajo sentó las bases para muchos de los temas y estilos que seguiría posteriormente explorando a lo largo de su carrera, incluyendo su interés en la vida urbana, la identidad juvenil y las luchas sociales.

Otros de los proyectos más conocidos e icónicos de Davidson son  "Time of Change", de 1962, en el que testimonia los convulsos momentos de la lucha por los derechos civiles en los EEUU de Martin Luther King y John Kennedy, así como "East 100th Street", una serie de retratos de los residentes de Harlem en la década de 1960. Para este último, Davidson pasó dos años fotografiando a las personas que vivían en esta calle y capturó la vida de los residentes con gran detalle y humanidad en una colección de imágenes que son un poderoso recordatorio de las luchas sociales y económicas que enfrentaban las personas en Harlem durante esa época.

Entre los proyectos posteriores de Davidson resalta el denominado "Subway", una serie de fotografías, esta vez en color, del metro de Nueva York que tomó en la década de 1980, en las que que captura la sensación de caos, la diversidad social de la ciudad y se muestra la complejidad de la vida en la metrópolis. 

A lo largo de su carrera, Davidson ha sido galardonado con numerosos premios, incluyendo una beca Guggenheim y un premio de la Fundación Nacional para las Artes. Sus fotografías se han exhibido en todo el mundo y se encuentran en colecciones permanentes de museos como el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo de Bellas Artes de Boston.

La obra de Davidson es un testimonio de su habilidad para capturar con su cámara la esencia de la vida urbana y su legado sigue inspirando a fotógrafos y artistas de todo el mundo. Con su enfoque humanitario y su ojo agudo para la composición y la luz, Bruce Davidson ha dejado una huella duradera en el mundo de la fotografía y en la cultura en general.

UK. 1960. Three boys running in streets

Bruce Davidson, 1959..Brooklyn Gang-On the way home by bus.

New York City. 1959. Brooklyn Gang. Coney Island Beach

Bruce Davidson, Brooklyn Gang, 1959

New York City. 1959. Brooklyn Gang

USA. New York City. 1959. Brooklyn Gang. © Bruce Davidson

New York City. 1959. Brooklyn Gang. Lefty showing his tattoo

Bruce Davidson, Londres, 1960

Playboy Club bunnies. Bruce Davidson 1963

Bruce Davidson, Time of Change, 1963

Bruce Davidson, Time of Change, 1962

Bruce Davidson, Time of Change, 1962

Bruce Davidson, Time of Change, 1963

Bruce Davidson, Time of Change, 1963

Bruce Davidson, East 100th Street, New York, 1966-1968

Bruce Davidson, East 100th Street, New York, 1966-1968

Bruce Davidson, East 100th Street, New York, 1966-1968

Bruce Davidson, East 100th Street, New York, 1966-1968

Bruce Davidson, East 100th Street, New York, 1966-1968

Bruce Davidson, East 100th Street, New York, 1966-1968

Bruce Davidson, East 100th Street, New York, 1966-1968

Bruce Davidson, East 100th Street, New York, 1966-1968

 Bruce Davidson - © Stephen Fell 2011 

Ansel Adams, el paisaje en estado puro

 

Vermilion Cliffs, Arizona, 1941

"La fotografía de paisaje es la prueba suprema para el fotógrafo, y a menudo el supremo desencanto"

"En toda fotografía hay siempre dos personas: el fotógrafo y el espectador"

Ansel Adams

Tras un largo tiempo sin publicar, volvemos a los orígenes del blog, esto es a la fotografía monocromática y lo hacemos con un maestro indiscutido, Ansel Adams, uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX, mundialmente conocido por sus imágenes icónicas del paisaje natural de Norte América en un maravilloso blanco y negro.

Nacido en San Francisco en 1902, Adams se interesó por la fotografía desde una edad temprana, y comenzó a tomar instantáneas en la década de 1920. Fue miembro fundador del grupo de fotógrafos conocido como Group f/64, que se destacó por su uso de cámaras de gran formato, lentes luminosas, aperturas pequeñas y enfoque nítido para lograr imágenes con una profundidad de campo máxima, esto es, imágenes en las que todo aparece perfectamente enfocado, desde el primer plano al fondo más lejano, algo que, créanme, no es tan fácil de conseguir y menos con la tecnología de aquella época. De hecho, las fotografías de Adams son conocidas por su increíble precisión técnica, su extrema preocupación por la luz (atención a los cielos) y su composición cuidadosamente estructurada. Se especializó en la fotografía de paisajes, y sus imágenes de los parques nacionales de Estados Unidos, como Yosemite y el Gran Cañón, son algunas de las más conocidas y reconocidas en la historia de la fotografía.

Además de su trabajo como fotógrafo, Adams también fue un activista ambiental y un defensor de la conservación del medio ambiente. Utilizó su fotografía como una forma de llamar la atención sobre los paisajes naturales de América, y abogó por la protección de los parques nacionales y otros espacios naturales. También fue un prolífico escritor y ejerció una prolongada actividad docente enseñando fotografía durante gran parte de su vida. Escribió varios libros, incluyendo "The Camera", "The Negative" y "The Print", que hoy se consideran obras clásicas en la historia de la fotografía.

Alfred Stieglitz, que patrocinó su primera exposición, dijo de Adams que sus fotografías que eran las imágenes más puras que había visto nunca... y no voy a ser yo quien le contradiga. Lo que es seguro es que Ansel Adams fue un fotógrafo visionario, que utilizó su trabajo para llamar la atención sobre la belleza natural de América y promover la conservación ambiental. Su importante legado como artista y activista ha dejado una marca indeleble en la historia de la fotografía y en la conciencia ambiental de todo el mundo. 

Monte Williamson, Sierra Nevada, California, 1944

Parque Nacional de Yosemite, California, ca.1937

Vernal Fall, Parque Nacional de Yosemite, California, c.1948

Canyon de Chelly National Monument, Arizona, 1942

El Capitan, Yosemite National Park, California, 1952

Clearing Winter Storm, Parque Nacional de Yosemite, California, ca. 1937

Garnet Lake, Thunderclouds. John Muir Trail, Parque Nacional de Yosemite, California

Unicorn Peak, Thunderclouds. Parque Nacional de Yosemite, California

The Tetons and the Snake River, Grand Teton National Park, Wyoming, 1942

Pino Jeffrey en la cima del Sentinel Dome. Sierra Nevada, Yosemite National Park, California ca. 1940

Penguin Rock y enebro, Joshua Tree National Park, California, ca. 1940

Cactus, Saguaro National Monument, Arizona, 1941

Dunas. Parque natural estatal de Oceano Dunes en Grover Beach, California, 1963

Zabriskie Point, Amargosa Range, Death Valley National Park, California 1942

Luna y Half Dome, Yosemite Valley, California, ca.1960

Roble, Snowstorm, Yosemite, 1948

Mount McKinley and Wonder Lake, Denali National Park, Alaska, 1947

Coyote Buttes, Vermilion Cliffs, Arizona, 1941

Ansel Adams ca. 1950

Richard Learoyd, fotografía a contracorriente (o el arte de ser atemporal)

 

 "La fotografía es un secreto de un secreto. Cuanto más te dice, menos sabes"

Diane Arbús.

"Las imágenes tratan de extender la duración de la mirada...  Mi esperanza es que inspiren una visión verdaderamente reflexiva: una visión de intimidad y comprensión, una visión del otro que aumentará nuestra humanidad"

Richard Learoyd.

 

No ha tenido especial suerte Richard Learoyd en su particular periplo por nuestro país, a pesar de encontrarse en lo más alto de su carrera artística. Su gran exposición en la Fundación Mafre de Madrid planificada desde finales de febrero a mayo coincidió fatalmente con la pandemia y el confinamiento y aunque ciertamente los medios de comunicación dieron abundante información, a qué engañarnos, la atención colectiva estaba por desgracia en otro tema.

Richard Learoyd es un fotógrafo de origen británico ciertamente atípico, tanto por su mirada como por su particular método de trabajo, que lo sitúa en las antípodas de la vertiginosa realidad digital que nos domina en el momento actual. En un mundo acelerado en el que todos llevamos una cámara incorporada al teléfono móvil y la imagen fotográfica se banaliza inevitablemente por su proliferación descontrolada, este fotógrafo realiza imágenes únicas, no reproducibles, sobre papel fotográfico y de grandes dimensiones, como si de cuadros pintados directamente por la luz se tratara. Y además lo hace usando un instrumento con largos siglos de historia: una cámara oscura, construida por él mismo. Básicamente dos habitaciones, una de ellas oscura, con un orificio con lente en el tabique que las divide. El sujeto posa en la habitación iluminada y la imagen se impresiona directamente, por un especial procedimiento sin negativo, sobre el gran papel fotográfico que está en la pared opuesta del cuarto oscuro. Cada imagen es única e irrepetible, como si de un cuadro de Veermer se tratara, no hay margen para el error.

Con estas premisas está claro que la fotografía de Learoyd se mueve en unas claves eminentemente plásticas que lo emparentan con la historia de la pintura occidental, tanto por las temáticas como por la melancólica y atemporal cualidad de sus imágenes en las que parece que se detiene el tiempo. Su literatura crítica y las abundantes notas que sobre él pululan por internet están plagadas de referencias a la pintura del Renacimiento, Veermer, Ingres, los pintores prerrafaelitas... Yo me atrevo a añadir las prodigiosas naturalezas muertas de nuestro Siglo de Oro, Sánchez Cotán y el maravilloso Zurbarán.  También, por supuesto, la fotografía victoriana y los fotógrafos del pictorialismo, lo primero en que pensé cuando vi por vez primera su obra fue en alguna de las imágenes de la histórica Camera Work de principios del siglo pasado.

La sensación de un tiempo suspendido, la reflexión y una cierta melancolía nos invaden cuando vemos estas magnificas fotografías, fundamentalmente retratos, desnudos y naturalezas muertas. Disfruten ustedes de ellas y disfruten de lo que queda del día, para nuestra desgracia el tiempo solo se detiene en el arte ( y no siempre).   

Tatiana con vestido rojo, 2010. Imagen única - ilfochrome: 147 x 119 cm.© Richard Learoyd 

© Richard Learoyd

Agnes in Red Dress, 2008 Imagen única - ilfochrome.© Richard Learoyd

Tatiana con lentes 2010. Imagen única - ilfochrome: 147 x 119 cm.© Richard Learoyd

Nancy con vestido de flores, 2010. Imagen única - ilfochrome.© Richard Learoyd

© Richard Learoyd

El final de la juventud, 2010. Imagen única - ilfochrome © Richard Learoyd 

Desnudo de espaldas. Imagen única - ilfochrome.© Richard Learoyd

Tres ramos de manzanas nº2 © Richard Learoyd

Flowers, Day 3, 2019, camera obscura Ilfochrome photograph © Richard Learoyd

Cabeza de caballo, 2012.  Imagen única - ilfochrome © Richard Learoyd.

Nancy vestida en rojo. Imagen única - ilfochrome.© Richard Learoyd